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从电影海报到关键艺术

2016-12-15 设计 | 艺术与设计

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从电影海报到关键艺术

二三月份,奥斯卡电影节、柏林国际电影节、鹿特丹国际电影节等相继开幕,作为电影宣传的重要产品的电影海报也目不暇接地映入眼帘,潜移默化地影响着人们对电影的选择。在美国,电影海报在越来越商业化的电影工业中,海报已经发展为关建艺术了。自1972年起,老牌的电影媒体《好莱坞报道》就开始评选年度关建艺术奖,颁奖晚会明星荟萃,风头不让电影节。


“关键艺术”的定义是“为了电影营销而建立的单一的、符号化的图像”。它整合了海报、片头字体设计、概念设计、DVD封面、唱片、画册、杂志广告、大型背板、户外广告、游戏封面等等等等所有与电影外宣的图像;对设计师来说,需要综合地考虑电影和相关产品的设计,尤其是那些愈来愈五花八门的电影衍生品,以及日新月异的新媒体的传播力度。电影衍生品的信息设计的整合可以说是电影更加工业化的转变,也是针对当代传媒的特征所作的调整。总而言之,时至今日,关键艺术已经和电影一样,成为了流行文化和大众记忆的一部分。



▲《一个国家的诞生》海报(1915年)


然而,这里有诸多的疑问:为什么叫关键艺术,而不是关键设计?这是很有趣的话题,如果谈起,还要从头看。海报的历史可以追朔到1890年法国画家劳特雷特的一系列戏剧海报设计“Projectionsartistiques”。早期的海报设计师从画家中分流出来,所以自然而然的是海报早期带有很强的绘画特征,而海报艺术也几乎走完了绘画艺术的所有流派,像古典主义、印象派、表现主义、抽象派、达达、结构主义、超现实、观念艺术等等等等。早期海报其实是简单的图文经营,关于出品人,导演,时间,地点等关键信息的罗列,这一设计风格甚至持续到20世纪头十年间,包括大名鼎鼎的默片经典《一个国家的诞生》。另外,那个时候的海报大多是可回收的,因为在这个剧院演出结束后,改了时间地点,就在另一家剧院仍可以使用,很环保。


劳特雷特的1891-1893年间的剧院海报设计


20世纪20年代,随着电影工业的成熟,海报设计师逐渐从画家身份中分野出来。德国平面设计师Heinz Schulz-Neudamm便是最早的一代职业海报设计师,1927年,他为科幻电影《大都会》设计的海报,带有强烈的现代派绘画的特征(主要是立体主义和未来主义)。当年这张海报印刷量过百,但因为年代久远,历经劫难,现今仅存世1张。在2012年的交易中,这唯一的一张《大都会》海报以120万美元的交易纪录创下海报交易史的纪录,而在2005年,HeinzSchulz-Neudamm的原始手稿也以39.8万英镑的高价交易。这张海报被誉为
“海报世界的王冠”确实是名至实归,因为它的艺术语言简单明了,有着阳刚的造性,总体上有一种机械风格的美感。插图、排版、字体设计结合的天衣无缝,完整又醒目,所有的元素都坚固地团结为一个整体,和《大都会》的反乌托邦的故事主题唇齿相依;还有,这个城市的几何形状,和女机器人的圆润流畅的线条形成对比,背景和主体层次分明,褐色的色调和黑色也都为海报增添了独特的吸引力。


综合考虑设计和市场


如果不是信息市场越来越细化,海报艺术还会像绘画一样,至少像孪生兄弟一样。但是本质上它们是不一样的。海报的目的是卖票,所以设计的第一要务是吸引观众,进而传递信息。而艺术的交流是主体性的,是为了唤起人们某种情绪,产生某种共鸣和感染力。艺术的目的可以是艺术本身。而设计不行,设计的目的是为了让观众产生了兴趣,进而购买,更进一步(尽管很少品牌有此要求),让观众接受品牌传达的理念。既然让观众产生购买欲是电影海报设计的目的。所以,如果明星是卖点,海报就用明星;如果电影类型是卖点,海报设计就遵循概念设计。



▲《我的天才宝贝》海报(1991年)


除了海报设计,电影的衍生品都是设计师考虑的对象。画册封面的设计不同于海报设计,设计师要考虑画册背面的故事,因为读者近距离地阅读图像,受到吸引后再翻倒后面,如果故事也有意思,他们就买了。所以画册设计产生效果的过程是:吸引观众——传达信息——观众产生兴趣——(背面)故事吸引观众——传达信息——产生兴趣——购买。注意,观众阅读书会用更多的时间,所以设计师要更持久地抓住观众的注意力。还有游戏封面的设计,可以说介于海报和画册之间。既要买图像,又要卖故事和主题。只是唱片比较特殊,人们买唱片是为了耳朵,而不是眼睛。在这儿,音乐在强化电影的品牌,图像设计做到好识别就ok了。



《卡罗尔》海报(2015年)


不管是街头海报墙、书架、还是咖啡厅的信息栏,还有网站、杂志广告、单页,今天的平面设计师既要懂传媒,又要懂市场,还要综合各类产品的因素。当然,不要忘了,电影总是有故事的。电影海报也总是靠种种叙事为卖点。接下来,我们就谈谈海报的几种常见的叙事策略。比如:肖像叙事、拼贴群像叙事、单一图像叙事、眼睛的游戏、极简主义风格。


肖像讲故事


在明星主导的电影市场上,这可能是最常用的海报设计套路了,比如说,莱昂纳多·迪卡普里奥和约翰尼·德普几乎上了所有他们主演的电影的海报。



▲《沉默的羔羊》海报(1927年)


1991年,朱迪·福斯特主演了两部电影:《小男孩Tate》和《沉默的羔羊》,两部电影海报都拿她的肖像来设计,但设计效果却有天壤之别。在2006年,美国电影学院评出过去35年最好的100件电影海报中,《沉默的羔羊》海报名列第一。这张海报的背景是黑色的,朱迪·福斯特幽灵般冰冷的外表,和血红的眼睛茫然地盯着观众,似乎暗示着僵尸,似乎在诉说什么;然而一只彩色的飞蛾压迫性地遮盖在她的嘴唇上,使她说不出话来。这个压迫性的符号具有多重的含义,一直是影迷和评论家的最爱,吸引着人们去反复解读电影。其中最为神秘之处在于那只飞蛾,它的背部和骷髅头骨是联系在一起的,这个创意来自萨尔瓦多达利的1951年名作《女人的身体骷髅》,摄影师是Philippe Halsman,在这个摄影名作中,7个女人组成一只骷髅的形状,极具超现实色彩。导演Jonathan Demme把这件摄影带给了海报的设计总监Dazu,于是,他不仅照搬了7个女人组成的头骨(换成了彩色),还找到了哥特式美学的平衡——暴力、阳刚、病态美和恐怖的融合,这些矛盾的元素奠定了视觉的基调,刺激着我们对死亡的想象力与寒蝉意象。



▲达利的摄影作品“女人的身体骷髅”(1951年)


这张海报不仅讲述了一个故事,也不仅传达了电影的情绪,还提供了一个谜,这个谜邀请观众去参与,来一场智力探险吧!这是最高级的设计策略!


2015年的电影《卡洛》的海报也是肖像叙事的样本,两个女主角,各露半张脸,视线相反,凝视着画面以外,一条水平线将她们分开。这个肖像叙事简洁地讲述一个若即若离的关系,和不同的人生选择,具体发生了什么?留下空间给观众填充吧!


群像拼贴叙事



《卡萨布兰卡》海报(1942年)


海报老将比尔·高登在1942年创作过《卡萨布兰卡》的海报是这一典范的先声之作。人物肖像的拼贴既是群星荟萃的大片需求,好的、坏的、丑的人物都拼贴在一起,让观众自己想象出一个故事——最好是个史诗!



《星球大战》海报(1977年)


这个视觉盛宴的方法被德鲁·斯特赞发挥的淋漓尽致,他可能是在世最出名的海报设计师了,有超过150部电影海报出自他之手,诸如《星球大战》、《银翼杀手》、《回到未来》和《夺宝奇兵》等。他和他的客户们(卢卡斯,斯皮尔伯格)一起定义了好莱坞电影大片的审美和电影营销的关键艺术。



▲《星球大战7-原力的觉醒》海报(2015年)


看!《星球大战7》来了,群像拼贴风格的海报还是大片主流。


眼睛的游戏



《金臂人》海报(1956年)


1956年,索尔·巴斯(Saul Bass)设计的《金臂人》电影海报风格开始在好莱坞一鸣惊人。要知道,在当年,帅哥美女的大头贴风格是海报主流。此后索尔·巴斯概念性的设计语言开始在电影世界里展露头角。索尔·巴斯与希区柯克有着多年的合作,他最著名的作品就是诸多的电影片头字幕设计,比如《晕眩》、《鸟》、《西北偏北》、《精神病人》等,此外还有诸多标志设计,比如:美国联合航空公司、 AT&T等。总之,索尔·巴斯有着全面的平面设计才华,和独特的个人语言,他坚持的设计理念不是信息传达,而是感受传达;所以他的设计往往是在概念上与电影产生着呼应。从60年代开始,他成为一个时代最具影响力的平面设计师之一。



《晕眩》海报(1958年)


1958年,索尔·巴斯为电影《晕眩》设计了一个迷幻和催眠色彩的海报,今天的007电影还时不时向他致敬一下。眩晕是这个电影的片名,也是电影感受的核心。他塑造的空间都是平面的,用强烈的色彩冲突,和运动的动势,指向了螺旋圆形的中心——一种迷乱感从视觉到情绪,逐渐蔓延开来。另外,手工切割的排版和剪纸风格的字体设计,加重了不稳定感。这个设计没有任何多余的成分,让人晕,再坠入一种难以明状的感觉。马丁·斯科塞斯曾说 “他(索尔·巴斯)在我眼中一直是一个传奇,他的设计定义了一个时代的电影海报。”这里,最值得注意的是《晕眩》的海报设计明显受到欧普艺术的影响,欧普艺术在1955年诞生,所以,索尔·巴斯可谓是第一代把欧普艺术引入设计的设计师了。



▲《月球》海报(2009年)


2009年,《月球》的海报设计来自于最近几年来最惹眼的新锐工作室All City Media(这家位于伦敦的工作室的代表作是《国王的演讲》、《一代宗师》、《星际穿越》等),这张海报也沿用了欧普艺术的高招,将观众的视线牢牢控制在圆的中心——一个孤独、孤立的克隆人身上。左上角是演员的名字——Sam Rockwell,仔细看,名字下面有无数的拷贝——克隆人的名字。


通常的太空科幻大片的海报都在强调空间的辽阔和深远,以及科技感,但是《月球》的这张海报是平面的,极简的,图像上还沿续了六七十年代的科幻电影风格。电影的主题是孤独,孤立,疯癫和再生。怎么都是那么与今天的这个喧嚣的环境格格不入,偏偏这种不和谐让人无法忽视他的存在。它就这么静静地待在信息市场上,像山姆一样,获得了我们的无限关注。真是讽刺,我们关注的原因是:山姆,一个人在离家950000英里外的地方,你看起来真他妈惨!


单一图像的叙事



《发条橙》海报(1972年)


1972年,比尔·高登最初为《发条橙》的创意并不被斯坦利·库布里克欣赏,那是一个电影的主角亚历克斯被钉死在十字架电脑的形象。但是库布里克认为这个太有前瞻性了,他希望有一个能和观众贴近的形象——最好是血和暴力的。


于是,比尔·高登把亚历克斯放在图像中心,并且突出眼睛,暗示他在极端治疗中的忍受。三角构图中的“A”有男主角Alex的含义;另外,简单的黑,白,橙的对比,在一个白色背景下,不仅形成强大的视觉冲击力,更是让人感到不安。另外,字体设计,带着粗重投影,一方面呼应着眼睛;另一方面,那些刚硬的线条,还传达出暴力的美感。这也是有史以来最令人难忘的电影的海报之一。还有,2015年上映的《幻梦墓园》,同样的三角构图,白色背景,却传达了不一样的气氛。


大体量对比的危险感


《大白鲨》海报(1975年)


当设计师托尼·塞尼格接到《大白鲨》的海报设计项目的时候,他的客户——也就是斯皮尔伯格,给了他两个要求:1,要非比寻常,人们从未见过的才是最刺激的;2,这个海报必须在3秒钟内讲完一个故事,而人们看完后,马上开车以每小时30英里的速度奔向电院影。


托尼·塞尼格花了半年来设计,但是始终不满意,因为鲨鱼从各个角度看,都太像海豚了,后来他才琢磨到要从下面看鲨鱼,看到了牙齿,就可怕了;于是,他的故事是这样的:大鲨鱼隐藏在深海里,像一个不可阻挡的导弹,一个势单力薄的人从上面游过去。这种卡通化的对比,尽管没有幽默感的存在,也给足了刺激。手绘的字体还特意用了“J”和鱼钩做一个结合。


鲨鱼和人,这种大体量的对比产生了一个强烈的危险感。这一手法也屡屡被后来的设计师使用,2016年的入围奥斯卡的电影《云中行走》就是一例。


极简主义风格


极简主义风格的艺术和设计诞生于二战之后,在60、70年代大行其道,尤其是美国。抽象、简约的语言风格,使它极具现代感和识别性,被引入流行文化之后,它很快就成为了电影海报的新宠。



《午夜牛郎》波兰版海报(1973年)


享誉世界的波兰海报大师沃尔德曼·斯威兹,在他职业生涯的50年里创作了2,500件海报。1973年,波兰版的《午夜牛郎》电影海报成为他的转型期作品,也是波兰售价最高的一件(3,500美元)海报。此后他的创作从手绘感很强的风格转型为融合表现主义和极简主义的,又有波普味道的风格。这张《午夜牛郎》海报,最醒目的是那个滚石风格的嘴唇,简洁粗壮的无衬线字体设计和简洁的剪影肖像形成强烈对比。


当代的极简主义电影海报早将概念艺术的方法融为一炉,经常给人双重含义的解读空间,法国电影《轮胎》的海报设计来自洛杉矶工作室奥利·摩丝。暴力和窥视的主题一目了然。红、白、黑的色彩安排也强烈夺目。白色和红色将背景平分为二,图像和文字也疏离开来,信息分布简洁,图文分布简洁,色彩分布简洁。没有种种干扰,观众只能和那只眼睛对视着,解读和想象着电影。



《美国丽人》海报


1999年的经典电影《美国丽人》的海报也是极简主义和观念主义结合的范例。对于电影海报来说,《美国丽人》标题字设计足够小了,简直不能更小了,尽管采用了极简约的信息设计,设计师还特意安排一个含蓄的建议(在标题下面)——“近点看”!这个设计传达出一个特征——仔细看了,图像之后有文章。这正是概念艺术的手法,也是电影主题要的。图像当然值得一看(电影也一样),让人浮想联翩、蠢蠢欲动,但是真相可不是这样美好!对于大众文化,邀请观众解读隐喻是一种挑战,也是广告业常用的手段。


字体就是图形


在设计语言中,有一个公示:1+1=2+x,在平面设计的图形置换和图文结合的设计中,这个公式总是不时跳入设计师的脑子中,提示着第3元素的创造。于是,字体和图形结合,即传达信息,又增加趣味,还语带双关地创造着新的意义。



▲《教父》海报(1972年)



▲《西区故事》海报(1962年)


索尔·巴斯是把字体和图形结合的方法用在电影海报设计上的先锋。他设计的《西区故事》(1962年)海报就是这样的范例。在1972年,《教父》设计的海报也和电影一样出色,醒目的标题文字“The Godfather”,上方手的把戏和文字结合在一起,不难看出,被玩弄的是“Father(父亲)”,不变的是“The God(神)”,威严的老教父位于标题字的下方,与字体设计呼应,暗示着某种权力关系的合成——这正是电影讨论的主题。父权、家族、操纵、阴谋---,这里有很多的话可以说,一个设计创造出的复杂又神秘第三元素。


超现实和矛盾空间


从达利和马格丽特的绘画上,我们见识了超现实主义绘画的智慧和乖张,从岗特·兰堡的海报设计上,又看到了超现实主义的诗意。超现实主义的想象力,总是像闪电一样,瞬间瓦解我们的保守观念,并长久将我们吸引。


《战争之王》波兰版海报(2004年)


▲《心理游戏》海报(1997年)


对海报设计师来说,这些技巧并不是科幻、魔幻电影的专利,他们可以用来进行心理状况的表达,像《战争之王》,电影的故事,我全忘了,可是这个图像真的记忆犹新,还有尼古拉斯·凯奇(Nicolas Cage)面对道德谴责时候的痛苦,这个图像和片头的字体设计全都表达了。还有1997年的悬疑电影《心理游戏》,电影的惊悚和悬疑与海报如出一辙,而电影并不是科幻类型的。



▲《大鱼老爸》海报(2003年)


当然科幻和魔幻题材的电影本身就是拿视觉做卖点,海报设计上使用超现实的画面更是得天独厚。《大鱼老爸》和《盗梦空间》的多款海报都是同样的类型,从视觉上将电影的气质传达出来。关键艺术?还是关键设计?


电影说到底不是为了生产故事,而是情绪,它邀请观众产生情绪的共鸣。当我们回忆起一个电影,具体的剧情往往已经记不起来了,细节更是随着主观的记忆而不断更改,但是当时看电影的情绪却还在,是快乐?是恼怒?是恐惧?是性冲动?还有电影带来的种种私人的回忆和体验,仍让我们记忆犹新。因为《美国往事》,我甚至记得看电影之前和之后,我和什么人在一起,做了什么。一部电影,给人带来的是完全不同的体验——塔尔科夫斯基称之为“雕刻时光”— —这是艺术的力量!



▲《盗梦空间》海报(2009年)


这些电影海报,和电影一样,构成了大众的回忆!多年之后,当我们再次看到它,已然事过境迁,已然不存在买票的冲动,但它们仍能在瞬间射穿心底的软体;人因为一部电影,留下一段私人的回忆;因为一个图像,产生复杂的情绪;于是电影海报已经脱离了设计和商业运作的范畴,从而产生了另一种能量——带给了我们情绪化的反应——这分明是艺术的力量!所以它们是关键艺术!


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